Auf dieser Seite finden Sie die Beschreibungen der vorgestellten Rigs. Ausstellung „Guitar Heroes“Wir haben die Texte, die den ausgestellten Instrumenten zugehört haben, originalgetreu wiedergegeben. Wir haben uns entschieden, sie in dieses Dokument aufzunehmen, um Ihnen ein noch umfassenderes Erlebnis zu bieten und eine Erinnerung an Ihren Besuch zu bewahren.
In der Ausstellung steht für jeden Künstler eine eigene Playlist zur Verfügung. Vintage Authority YouTube-KanalDie Musikstücke wurden sorgfältig anhand der ausgestellten Ausrüstung ausgewählt und sollen daher nicht die gesamte Karriere des Künstlers nachzeichnen, sondern Ihnen helfen, den Klang dieser spezifischen Setups zu schätzen.
Wir danken Ihnen für Ihren Besuch der Ausstellung und laden Sie ein, mehr darüber zu erfahren. Website von Vintage Authority.
Andy Summers
1960 FENDER TELECASTER CUSTOM SUNBURST
1966 FENDER TWIN REVERB
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Il Ton Andy Summers' Album mit The Police zählt zu den Meilensteinen der New Wave und der Rockgeschichte. Eine dreidimensionale, kristallklare und atmosphärische Klanglandschaft.
Im Zentrum dieser Magie steht eine legendäre Kombination von Instrumenten, wobei das schlagende Herzstück seine Fender Telecaster Custom ist, die in einem Fender Twin Reverb spielt.
La Gitarre – im Laufe der Jahre stark modifiziert – kombinierte den klassischen trockenen und klingenden „Twang“ des Steg-Pickups mit einem deutlich wärmeren und runderen Klang dank eines Gibson-Humbuckers, der später in der Halsposition eingebaut wurde, sowie einer direkt in den Korpus der Gitarre integrierten Overdrive-Schaltung.
Dieses Instrument fand seinen idealen Partner in derVerstärker Der Fender Twin Reverb ist berühmt für seinen beeindruckenden Clean-Headroom, der dem Künstler eine neutrale, kraftvolle und verzerrungsfreie Basis bot.
Auf dieser soliden Grundlage wandte Summers seine Effetti Symbol: der Flanger (um eine wellenförmige Bewegung zu erzeugen) und das analoge Delay, die das Scratchen der Telecaster in eine flüssige, räumliche und ausdrucksstarke Textur verwandeln, die allein den Raum eines Power-Trios füllen kann.
Durch die Verbindung dieser Elemente entstand ein klarer, prägnanter und zugleich einhüllender Klang, der perfekt geeignet war, die typischen Akkorde und Rhythmen des Gitarristen einzigartig zu machen und so den Sound von The Police zu prägen.
Angus Young
1970 GIBSON SG STANDARD CHERRY
1977 MARSHALL JMP 2203 MASTER VOLUME HALF STACK
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Il Ton Angus Youngs „The Way You Are“ ist die Essenz des puren, direkten, schnörkellosen Rock 'N' Roll: eine ikonische Kombination aus Druck, Dynamik und Definition, die fast ausschließlich durch Gitarrenspiel, Fingerfertigkeit und Verstärkerlautstärke erreicht wird, ohne den Einsatz von Effektpedalen.
Das Herzstück dieser Zauberformel ist ihre legendäre Instrumentierung Ende der 70er Jahre entstand ein Duo, das epische Alben wie Highway to Hell und Back in Black prägte.
La Gibson SG Standard Cherry „Large Guard“ (1969/1970): Verglichen mit den Modellen der frühen 60er-Jahre zeichnet sich diese Version durch ihr größeres Schlagbrett und ein relativ tiefes Halsprofil aus, ist aber dennoch unglaublich schnell und perfekt für Angus' mitreißendes Bluesrock-Spiel. Die T-Top-Humbucker-Tonabnehmer jener Zeit liefern den durchsetzungsstarken Ton und die satten Mitten, die sich mit ihrer kraftvollen Präsenz im Mix behaupten.
Il Marshall JMP Master Volume 2203 (1977): Der 100-Watt-Verstärkerkopf war und ist ein wahres Kraftpaket. Der Mitte der 70er Jahre eingeführte 2203 ermöglichte dank des Master-Volume-Reglers die Sättigung der Vorstufenröhren. Trotzdem bevorzugte Angus es stets, den Verstärker bis an seine Grenzen auszureizen, um die Endstufenröhren (das EL34-Modell, ein Marshall-Standard) optimal zu nutzen und so eine unglaublich reaktionsschnelle Verzerrung mit reichem Sustain zu erzielen.
Il risultato Es ist ein „trockener“ Klang, ein analoges Dröhnen, bei dem die SG mit chirurgischer Präzision scratcht und der Marshall JMP die Grundlage für eine zeitlose Klangwand bildet.
Ritchie Blackmore
1974 FENDER STRATOCASTER SCHWARZ
1971 MARSHALL JMP SL FULL STACK
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Il Ton Ritchie Blackmores „The Greatest Hits“ zählt zu den prägendsten und bekanntesten Meilensteinen des Hard Rock. Der Sound zeichnet sich durch einen schneidenden, fast celloartigen Anschlag aus, der stark von klassischer Musik beeinflusst ist, aber die kraftvolle Dynamik des Rock der 1970er Jahre entfaltet.
Mittelpunkt seiner Instrumentierung Es ist das sehr berühmte Schwarze Fender Stratocaster aus den frühen 1970er Jahren mit AhorngriffbrettEr verwendete verschiedene Gitarrenmodelle und -modelle, sowohl mit 3-Punkt-Halsbefestigung – wie die abgebildete – als auch mit 4-Punkt-Befestigung. Das charakteristische Merkmal seines Instruments war die sogenannte „Scalloped“-Griffbrettmodifikation, also die handgeschnitzten Zwischenräume zwischen den Bünden. Dadurch konnte Blackmore die Reibung des Holzes an seinen Fingerspitzen verringern und so mühelos dramatische Vibratos und extreme Bendings sowie sehr schnelle neoklassische Licks spielen. Was die Elektronik betrifft, verzichtete Ritchie bei seinen Auftritten fast immer auf den mittleren Tonabnehmer und bevorzugte stattdessen den scharfen, harten Klang des Steg- oder den weichen, warmen Klang des Hals-Tonabnehmers.
Dieses Signal, das an sich schon vernichtend war, wurde in das Mammut geleitet. Marshall Full Stack Verstärker (Bei den Verstärkerköpfen handelte es sich oft um 200-Watt-Major-Modelle, die von den Ingenieuren stark modifiziert wurden, um noch mehr Verstärkung und Lautstärke zu erzielen, was mit ihren kleineren 100-Watt-Super-Lead-Geschwistern leichter zu erreichen war.) Blackmore trieb die Röhren bis an die Grenzen des Zusammenbruchs, aber um diesen ikonischen, satten Crunch zu erzielen, ohne jemals die Definition einzelner Noten zu verlieren, griff er auf eine Geheimzutat zurück: ein Aiwa TP-1011 Tonbandgerät (oder einen Hornby Skewes Treble Booster Vorverstärker), das als Verstärkungsverstärker verwendet wurde, bevor das Signal in den Marshall gelangte.
Das Ergebnis ist ein monumentaler, dynamischer und satter Klang, der in der Lage ist, im Handumdrehen von einem klaren, kristallklaren Flüstern zu einem verzerrten, messerscharfen Brüllen zu wechseln.
Eric Clapton
1964 GIBSON ES 335 CHERRY
1965 MARSHALL JTM 45 HALF STACK
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Il suono Eric Claptons Overdrive hat in den späten 60er Jahren die Grenzen der Rock- und Bluesgitarre buchstäblich neu definiert und den Grundstein für das gelegt, was wir heute als „Overdrive“ bezeichnen. Es ist ein fetter, knurrender und unglaublich ausdrucksstarker Ton, entstanden aus der perfekten Verbindung von amerikanischer Gitarrenbaukunst und bis an die Grenzen ausgereizter britischer Verstärkertechnik.
Das Herzstück dieses Sounds bildet eine der legendärsten Gitarren seiner Sammlung: die Gibson ES-335 KirscheDiese halbakustische Gitarre (charakterisiert durch den Ahorn-Mittelblock, der unerwünschte Rückkopplungen reduziert) vereinte die warme Holzigkeit und die typische Resonanz des Hohlkorpus mit dem bissigen Druck der Humbucker-Tonabnehmer, den direkten Nachfolgern der berühmten PAFs. In Claptons Händen – insbesondere während der goldenen Jahre mit Cream und beim legendären Abschiedskonzert in der Royal Albert Hall 1968 – verwandelte sich die ES-335 in eine wahre Kampfmaschine: flüssig an den Halstonabnehmern für ihren ikonischen „Woman Tone“ (erreicht durch vollständig geschlossene Tonregler) und scharf, aber vollmundig an den Stegtonabnehmern.
Das eigentliche Geheimnis, warum diese Gitarre so gut klang, lag jedoch im Verstärker. Clapton schloss das Instrument direkt an einen Verstärker an. Marshall JTM 45Sowohl als Topteil mit passender Box als auch als die berühmte 2x12-Combo-Variante, auch bekannt als Bluesbreaker, war dieser Verstärker erhältlich. Er war 1965 mit den charakteristischen runden schwarzen Kunststoffknöpfen ausgestattet – unter Sammlern heute als „Clapton Knobs“ bekannt. Erics Philosophie war so einfach wie revolutionär für die damalige Zeit: Lautstärke und Regler voll aufdrehen. Durch die extreme Aussteuerung der JTM 45-Röhren kam es zu einer natürlichen Sättigung, wodurch ein warmer, komprimierter Klang mit endlosem Sustain entstand, der die menschliche Stimme imitierte.
Es gab keine Effektpedale, die das Signal verzerrten: Der Klang war das reine Ergebnis davon, dass die Gibson ES-335 den Verstärker mit kontrolliertem Zusammenbruch betrieb und so jenen cremigen, obertonreichen und zutiefst dynamischen Klang erzeugte, der die Geschichte der Musik für immer veränderte.
Freddie King
1969 GIBSON ES 345 CHERRY
1968 FENDER SUPER REVERB
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„The Texas Cannonball“ evoziert eine suono Das war pure Energie. Unter den „Drei Königen“ des Blues (neben B.B. und Albert) war Freddie der aggressivste, der mit dem wildesten Anschlag und dem schärfsten Timbre, so sehr, dass er sich in jedem Bandmix durchsetzen konnte. Zwischen den späten 60er- und den 70er-Jahren bildete eine ganz besondere Instrumentenpaarung den Dreh- und Angelpunkt dieses Klanggewitters: die Gibson ES-345 Stereo-Gitarre und der Fender Super Reverb „Silverface“-Verstärker.
War Freddie in seinen frühen Karrierejahren untrennbar mit der Gibson Les Paul Goldtop verbunden, so prägte erst die ES-Serie (halbakustische Gitarren mit Ahorn-Mittelblock) seinen reiferen Look und Sound. Die ES-345 im legendären Cherry-Finish bot einzigartige Features: die „Varitone“-Schaltung mit einem 6-Wege-Drehschalter, den Freddie fast immer in Position 1 beließ, um das volle Signal der Humbucker-Tonabnehmer zu erhalten, oder in Position 2, die den Bass etwas „trockener“ und damit durchsetzungsstärker machte; die „Stereo-Verkabelung“, die es ermöglichte, das Signal auf zwei verschiedene Kanäle oder Verstärker aufzuteilen, was Freddie jedoch oft nicht nutzte.
Um der Wucht seiner Berührung standzuhalten, brauchte Freddie Lautstärke und eine unmittelbare dynamische Reaktion, die nur dieAmplificatore das ikonischste des Hauses Kotflügel in den 70er Jahren, Die Super Reverb gekennzeichnet durch die gebürstete Aluminiumplatte“SilverfaceDer 1968 eingeführte Verstärker konnte einiges leisten. Die Konfiguration mit vier 10-Zoll-Lautsprechern bewegte die Luft im Vergleich zu einem einzelnen 12-Zoll-Lautsprecher extrem schnell. Dies garantierte einen straffen, nicht verzerrten Bass und kristallklare, fast perkussive Höhen. 40 Watt Röhrenleistung sorgten dafür, dass der Verstärker auch bei hohen Lautstärken sauber und definiert klang und erst nach dem sogenannten „Rand der Verzerrung“ – also bei Freddie Crunchs kraftvollem Anschlag – in die Sättigung ging.
Il Geheimnis Sein Sound bestand aus Attacke und Fingerfertigkeit in Kombination mit seiner Instrumentierung. Aber das eigentliche „Make-upFreddie Kings „Pick“ befand sich in seiner rechten Hand, da er mit Plektren aus Metall oder hartem Kunststoff für Daumen und Zeigefinger (Daumen- und Fingerpick) spielte, die einen metallischen, fast „klickenden“ Anschlag erzeugten.
Das Endergebnis war ein moderner Blues, gleichermaßen bissig und raffiniert, der Tiefe, Brillanz und Wucht vereinte. Ein monumentaler Sound, der Generationen von Gitarristen beeinflussen sollte, von Eric Clapton bis Stevie Ray Vaughan.
John Frusciante
1966 FENDER JAGUAR LAKE PLACID BLAU
1970 MARSHALL JMP SB HALF STACK
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Il suono John Frusciantes „The Red Hot Chili Peppers“ verkörpern die perfekte Balance aus ausdrucksstarkem Minimalismus, warmem Vintage-Sound und purer Funk-Rock-Energie. Mit den Red Hot Chili Peppers entwickelte er seine Klangidentität um eine ganz bestimmte Philosophie: ein extrem dynamisches Gitarrenverstärkersignal, angereichert durch eine Palette von Effekten, die beinahe theatralisch eingesetzt werden. Im Zentrum dieser Klangarchitektur steht der magische Kontrast zwischen der messerscharfen Klarheit der Fender-Gitarren und dem gewaltigen Druck britischer Verstärker.
Ein ikonisches Beispiel für diese Kombination findet sich in den Aufnahmesessions zu „Blood Sugar Sex Magik“ und „Under the Bridge“, wo Frusciante nicht seine berühmte '62er Stratocaster benutzte, sondern eine prächtige Fender Jaguar von 1966 in Lake Placid Blue Lackierung mit passender Kopfplatte. Die Jaguar, deren Single-Coil-Tonabnehmer von den charakteristischen Metallklauen abgeschirmt waren, verlieh dem Song jenen kristallklaren, leicht komprimierten und metallischen Klang, der perfekt geeignet war, um die berühmte, von Jimi Hendrix inspirierte Phrasierung hervorzuheben.
Um seiner Stimme Fülle und Tiefe zu verleihen, vertraut Frusciante seit jeher auf die Leistung von Marshall-Systemen. Neben seinem unverzichtbaren 200-Watt-Major (für Cleansounds) bilden die Verstärkerköpfe das Herzstück seiner Crunch- und Solo-Verzerrungen. Marshall JMP „Metallplatte“ Diese Verstärker, die aus den frühen 1970er Jahren stammen und sich durch ein Bedienfeld aus gebürstetem Goldaluminium auszeichnen, das Ende 1969 das Plexiglas ersetzte, sind für ihren aggressiveren Klang bekannt, mit kräftigeren Mitten und einem schnelleren Attack als ihre Vorgänger. Wenn Frusciante diese JMPs mit seinem Gitarrensignal ansteuert (oft verstärkt durch ein Boss DS-1 Distortion-Pedal oder ein Electro-Harmonix Big Muff Fuzz), reagiert der Verstärker mit einer warmen, obertonreichen und unglaublich dynamischen Sättigung – und prägt so den mitreißenden Sound, der Alternative-Rock-Geschichte schrieb.
Jerry Garcia
1967 GIBSON SG STANDARD CHERRY
1967 FENDER TWIN REVERB
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Il Ton Jerry Garcias Album aus den späten 60er Jahren fängt den entscheidenden Übergang der Grateful Dead von ihrer frühen Psychedelia zu der einzigartigen Mischung aus Country-Rock, Jazz und modaler Improvisation ein, die ihr Vermächtnis prägen sollte.
1969 auf der legendären und gequälten Bühne von Woodstock war das visuelle und klangliche Herzstück von Jerrys Setup ein prächtiges Gibson SG Standard Gitarre in Kirschrot, das aufgrund einer Besonderheit Schlagzeilen machte: Es war mit einem werkseitig eingebauten Vibratosystem vom Typ Bigsby ausgestattet (Factory BigsbyDie SG mit ihrem leichten Mahagonikorpus und den T-Top-Humbucker-Tonabnehmern aus der damaligen Zeit bot Garcia einen warmen, weichen Mittenbereich, der unglaublich sensibel auf die Anschlagdynamik reagierte. Das Bigsby-Stegsystem fügte eine subtile Resonanz hinzu, die sich vom klassischen Stopbar-Saitenhalter unterschied und Jerry jene ausdrucksstarken Mikronuancen und kaum wahrnehmbaren Vibratos ermöglichte, die an den Stil der Pedal-Steel-Gitarre erinnerten.
Das eigentliche Geheimnis, um zu verhindern, dass die SG-Humbucker zu dunkel oder matschig klangen, lag jedoch im Verstärkerbereich. Garcia legte großen Wert auf die Klarheit des Klangs. Fender Twin Reverb VerstärkerDie Suche nach einem klaren, sauberen Klang bei hohen Lautstärken, für den der Twin Reverb mit seinem enormen Headroom historisch gesehen der beste Vertreter ist, führte Jerry zu dieser Entwicklung. Er nutzte diese Verstärker bis zum Anschlag, um sich gegen die rhythmische Wand der Dead durchzusetzen und einen kristallklaren, dreidimensionalen und extrem dynamischen Sound zu erzielen. Die Fender Twins, insbesondere in Kombination mit (oder kurz darauf modifizierten) JBL-Lautsprechern, kompensierten perfekt den etwas weichen Klang der Gibson SG. Das Ergebnis war ein klarer und brillanter Attack in den Höhen, der es Jerrys legendären Lead-Texturen und chromatischen Skalen ermöglichte, sich mit chirurgischer Präzision durch den Mix zu setzen.
Auch wenn der Auftritt der Grateful Dead bei Woodstock Obwohl enorme technische und elektrische Isolationsprobleme auf der Bühne die Band ziemlich nervös machten, kristallisierte sich in diesem essentiellen und leistungsstarken Equipment ein unwiederholbarer Moment heraus: der perfekte Treffpunkt zwischen der kratzigen Wärme des Gibson-Mahagonis und der kristallinen Reinheit der Fender-Röhren.
David Gilmour
1969 FENDER STRATOCASTER SCHWARZ
1970 HIWATT DR103 + 1970 WEM STARFINDER
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Il Ton David Gilmours „The Greatest Hits“ ist ein Denkmal der Klangarchitektur des Rock: eine perfekte Balance aus Lyrik, Sustain und kristallklarer Definition, die sich mit chirurgischer Präzision durch den Mix schneidet. Obwohl seine Identität primär in seinem Können und seinem unverwechselbaren Stil liegt, legte seine Instrumentierung Anfang der 70er-Jahre den Grundstein für diesen legendären Sound.
Am Anfang der Kette steht die legendäre Fender Stratocaster Black Gitarre von 1969Diese Gitarre, die Gilmour im Mai 1970 bei Manny's in New York als Ersatz für ein älteres Modell erwarb, besaß ursprünglich ein Palisandergriffbrett und die für die CBS-Ära typische große Kopfplatte. Sie war das Hauptinstrument, mit dem Gilmour begann, die psychedelischen Klangwelten von Pink Floyd zu erkunden, bevor der gesamte Tourbus der Band im Oktober desselben Jahres während der „Atom Heart Mother“-Tour in New Orleans auf tragische Weise ausgeraubt wurde. Gilmour musste sich umgehend eine neue Gitarre kaufen, erneut eine Stratocaster, und zwar wieder eine Black Strat (diejenige, die zur berühmtesten „Black Strat“ der Geschichte werden sollte). Doch der warme, geschmeidige Klang dieses ersten Modells von 69 mit Palisandergriffbrett ist bis heute in Bootlegs und historischen Aufnahmen aus jenen entscheidenden Monaten des Jahres 1970 unvergessen.
Um seiner Gitarre einen Klang zu verleihen, nutzte Gilmour eine Kombination aus Verstärkung was zu einem wahren Maßstab für Klangreinheit geworden ist. Das Herzstück des Systems war der Kopf. Hiwatt DR103Der Hiwatt Röhrenverstärker ist berühmt für seine unglaubliche Aussteuerungsreserve und seine makellose, militärtaugliche Konstruktion. Diese speziellen Verstärker wurden von Harry Joyce (Hiwatts legendärem Chefingenieur) sorgfältig überarbeitet und optimiert, um eine dynamische Wiedergabe ohne unerwünschte Verzerrungen selbst bei enormen Lautstärken zu gewährleisten. Diese strahlende Klarheit machte den Hiwatt zur idealen Quelle für die damaligen Effektpedale wie Fuzz-Pedale und frühe Delays. Das Geheimnis der Klangfülle und -projektion liegt im legendären Hiwatt-Verstärker. WEM Starfinder 4×12 GehäuseDieses Gehäuse, das sich durch ein robustes Design und eine dreidimensionale Akustik auszeichnet, war mit Fane Crescendo-Lautsprechern ausgestattet. Es handelt sich dabei um High-Fidelity-Lautsprecher mit Aluminiumkalotte, die extrem erweiterte Frequenzen ohne harmonische Verzerrungen wiedergeben können.
Il risultato Es war ein gewaltiger Klang.
Jimi Hendrix
1969 FENDER STRATOCASTER OLYMPIC WHITE
1967 MARSHALL JTM 100 FULL STACK
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Il Ton Jimi Hendrix' revolutionärer Sound entstand nicht nur durch sein unglaubliches Gitarrenspiel, sondern durch eine präzise Alchemie von Instrumenten und Effekten, die aufgrund ihres Klangs und ihrer musikalischen Bedeutung in die Geschichte eingegangen sind.
In den frühen Jahren seiner kometenhaften Karriere spielte Hendrix oft eine Fender Stratocaster Sunburst mit kleiner Kopfplatte (vor der CBS-Ära), typisch für die frühen bis mittleren 60er Jahre. Diese Gitarre mit ihrem klassischen Aussehen und der sichtbaren Holzmaserung bildete die Grundlage für seinen emotionalen Zugang zu Blues und Rock.
Das ikonischste Bild von Jimi ist jedoch untrennbar mit der Legende verbunden. Fender Stratocaster Olympic White Gitarre Die „Big Headstock“ (große Kopfplatte) ist berühmt für ihr Ahorngriffbrett (charakterisiert durch eine auf den Hals geklebte Ahornschicht ohne den klassischen „Skunk Stripe“-Einsatz auf der Rückseite). Genau diese Gitarre, die für Linkshänder umgebaut wurde, verlieh der verzerrten amerikanischen Hymne auf der Woodstock-Bühne ihre Stimme … und revolutionierte damit die Rockmusik für immer.
Um diesen eher dünn klingenden Gitarren mehr Fülle zu verleihen, benötigte Jimi eine beispiellose Klangwand. Der Durchbruch gelang durch dieTreffen mit Jim Marshall und seinen VerstärkernDas Herzstück von Hendrix' Equipment war der Marshall 100W Super Lead Topteil, kombiniert mit den legendären Boxen. Die ersten Versionen besaßen eine prächtige Frontbespannung namens Pinstripe (das charakteristische Gitter mit dünnen, vertikalen Streifen, das vor dem späteren klassischen „Salz-und-Pfeffer“-Stoff verwendet wurde), die die vier Lautsprecher schützte. Indem er diesen Verstärker bis zur maximalen Lautstärke aufdrehte, nutzte Hendrix die Sättigung der Röhren, um das Feedback von einem störenden Pfeifen in ein reines musikalisches Element zu verwandeln, begleitet von transgressiven und animalischen Bewegungen.
Ein tödlicher Cocktail aus Klang, Musikalität, Instinkt und Substanzen… brachte das hervor Mythos.
Yngwie Malmsteen
1971 FENDER STRATOCASTER OLYMPIC WHITE
1971 MARSHALL JMP 100W FULL STACK
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Il Ton di Yngwie Malmsteen Es ist eines der bekanntesten Markenzeichen von Hard Rock und Heavy Metal, ein perfekter Treffpunkt zwischen der Kraft des Rock und der Präzision barocker klassischer Musik.
Das schlagende Herzstück seiner Instrumentierung ist die Fender StratocasterDie Gitarre aus den frühen 1970er-Jahren zeichnet sich durch ihre große Kopfplatte aus. Bevorzugt war sie weiß wie die von Hendrix und mit einem scalloped Griffbrett wie bei Blackmore, bei dem das Holz zwischen den Bünden ausgehöhlt war, sodass die Finger nur die Saiten berührten. Dies ermöglichte eine präzise Kontrolle über Vibrato und Bendings. Speziell angefertigte Elektronik und Tonabnehmer eliminierten Brummgeräusche und sorgten für einen klaren, definierten Ton – unerlässlich, um bei dem für seinen Stil charakteristischen schnellen Sweep-Picking matschige Töne zu vermeiden.
Dieses Signal wird direkt in ein Wand aus Marshall-VerstärkernAm besten eignet sich ein Vintage-Verstärker ohne Master-Volume (wie die legendären Plexi-Topteile oder die späteren 100-Watt-Metal-Panel-Modelle), der voll aufgedreht wird, um eine warme, dynamische und obertonreiche Röhrenverzerrung zu erzielen. Um den Verstärker noch weiter in die Sättigung zu treiben, ohne die Attack-Definition zu verlieren, verwendet Yngwie ein Overdrive-Pedal (wie das alte DOD 250), das die Bässe austrocknet und die Mitten anhebt. Das Ergebnis ist ein geigenartiger Klang mit endlosem Sustain. Verstärkt wird das Ganze durch den Einsatz von Delay.
diese einzigartige Mischung aus elektrischer Wut und klassischer Strenge Seine Wurzeln liegen in zwei Gitarrengiganten: Jimi Hendrix, von dem Malmsteen seine instinktive Liebe zur Stratocaster, den massiven Einsatz von Marshalls in ohrenbetäubender Lautstärke und die theatralische Bühnenpräsenz erbte; und Ritchie Blackmore, dem legendären Gitarristen von Deep Purple und Rainbow, der Bluesrock-Riffs mit harmonischen Molltonleitern und dem Einsatz des „scalloped“ Griffbretts mit jener edlen und dramatischen Note verbinden konnte, die Malmsteen später noch übertreiben und auf nie zuvor gehörte Geschwindigkeiten und technische Niveaus heben sollte.
Pete Townshend
1969 GIBSON LES PAUL DELUXE GOLD
1970 HIWATT DR103 HALF STACK
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Il Ton Pete Townshends Album aus seinen goldenen Jahren mit The Who ist eine explosive Mischung aus Kraft, Dynamik und unglaublicher Klangdefinition, die als „Maximum R&B“ in die Geschichte eingegangen ist. Im Zentrum dieses Klanguniversums, insbesondere in den 70er Jahren, steht ein legendäres Instrumentalduo.
Obwohl Townshend in der Vergangenheit eine Vielzahl von Gitarren verwendet hat (von Rickenbackers bis zu Fender Stratocasters), Gibson Les Paul Deluxe Sie repräsentiert die Ära der gigantischen Stadiontourneen. Das charakteristische Merkmal dieses Modells waren ursprünglich seine Mini-Humbucker-Tonabnehmer, die einen schärferen, weniger matschigen Klang als Standard-Humbucker boten – perfekt, um sich im Mix der gewaltigen Rhythmusgruppe von Keith Moon und John Entwistle durchzusetzen. Pete liebte diese Gitarren so sehr, dass er sie stark an seine Bedürfnisse anpasste. Oft fügte er einen dritten Tonabnehmer in der Mitte hinzu, um die Klangvielfalt noch weiter zu erweitern. Kleine zusätzliche Schalter am Korpus ermöglichten es, den Klang des mittleren Tonabnehmers zu mischen und seine Spulen zu splitten. Um sie auf der Bühne schnell unterscheiden und die jeweiligen Modifikationen oder Stimmungen erkennen zu können, nummerierte er sie mit großen Aufklebern von 1 bis 9.
Wenn die Les Paul ein Blitz wäre, dann wäre sie... Hiwatt DR103 Köpfe Sie waren gewaltig. Entworfen vom Genie Dave Reeves und verbunden mit den massiven, stark verstrebten 4x12-Boxen, waren sie Teil des Geheimnisses von Townshends Sound. Anders als die Marshalls jener Zeit, die für ihre Verzerrung bekannt waren, zeichneten sich die Hiwatts durch ihre hohe Aussteuerungsreserve und die Fähigkeit aus, auch bei hohen Lautstärken ohne Verzerrung des Originalsignals zu spielen. Wenn Townshend diese Verstärker bis zum Anschlag ausreizte, erhielt er keine gesättigte oder komprimierte Verzerrung, sondern einen gewaltigen, dreidimensionalen und unglaublich dynamischen Klang. Berührte er die Saiten nur leicht, klang der Hiwatt klar, doch wenn er die Gitarre mit seiner berühmten Windmühlenbewegung bearbeitete, antwortete er mit einem messerscharfen, kantigen „Crunch“.
Diese perfekte Abstimmung zwischen dem Attack der Mini-Humbucker der Les Paul Deluxe und dem gewaltigen Schub des Hiwatt DR103 ermöglichte es Pete Townshend, die modernes Konzept von Powerchords. Ein Klang, der den Hörer mit der Wucht eines Zuges traf, wobei die Definition jeder einzelnen Note innerhalb des Akkords erhalten blieb.
Randy Rhoads
1974 GIBSON LES PAUL CUSTOM WEISS
1978 MARSHALL JMP SB WHITE
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Il suono Randy Rhoads' Sound zählt zu den ikonischsten und unverwechselbarsten Klängen des Heavy Metal der 80er Jahre: eine Mischung aus neoklassischer Aggressivität, Sustain und Präzision. Diese Klangsignatur wurde durch eine ganz bestimmte Instrumentenkombination geprägt.
Das Herzstück seines Solospiels war mehr als jede andere Gitarre seine berühmte Gibson Les Paul Custom „Weiß“ (Die Gitarre, die damals bereits eine charakteristische cremefarbene Nuance annahm, war schwer und hatte ein langes Sustain. Sie war mit originalen Gibson „Super Humbuckers“-Tonabnehmern ausgestattet und bot einen warmen, vollen Klang in den mittleren und tiefen Frequenzen, der seinen Riffs Fülle und seinem Legato Geschmeidigkeit verlieh.
Um sich im Mix durchzusetzen, setzte Randy auf die brachiale Kraft der Röhrensättigung: Seine bevorzugten Verstärkerköpfe waren die Marshall JMP 100W Ab den späten 70er-Jahren wurden diese Verstärker oft mit einem kaskadierenden Master-Volume-Regler modifiziert, um mehr Verzerrung zu erzielen. In Verbindung mit Marshall-Boxen, die mit Celestion-Lautsprechern bestückt waren, erzeugten sie jenen typisch britischen „Wall of Sound“, der zum Markenzeichen des Hard Rock wurde. Um die Marshalls noch weiter anzutreiben und seinen legendären, satten Sound zu erreichen, nutzte Randy ein MXR Distortion+ Pedal als Booster, das die tiefen Frequenzen absenkte und den Klang auf die Mitten fokussierte.
Il letzter Schliff Es war der berühmte Double-Tracking-Effekt, also die Verdopplung der Gitarrenspuren im Studio, der seinen Sound so gewaltig machte und die Erhabenheit der klassischen Tradition mit der Wucht des härtesten Rocks verband.
Rory Gallagher
1965 FENDER STRATOCASTER SUNBURST
1967 VOX AC 30 TOP BOOST
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Il klingen Rory Gallaghers „The Blues“ ist einer der reinsten, unmittelbarsten und bekanntesten Blues-Rock-Songs aller Zeiten. Keine elektronischen Tricks, keine komplexen Effektketten: Sein Ansatz war direkt und basierte auf Fingerfertigkeit und maximal aufgedrehter Verstärkerlautstärke.
Das Herzstück seiner Instrumentierung bestand aus zwei legendären Elementen: Die Fender Stratocaster (Sunburst) Aus den frühen 60er Jahren (1961): Seine charakteristische Gitarre, die er so lange trug, bis der Lack durch Schweiß und jahrelanges, unermüdliches Touren fast vollständig abgenutzt war. Mit der Stratocaster erzeugte Rory einen kratzigen, mitunter rauen, aber unglaublich ausdrucksstarken Sound. Er nutzte den Tonabnehmerschalter häufig (oft modifiziert) und experimentierte ständig mit den Lautstärke- und Klangreglern, um von durchsetzungsstarken Rhythmen zu warmen, kraftvollen Soli zu wechseln.
Um seinen berühmten „Crunch“-Sound zu erzielen, schloss Rory die Stratocaster an einen Verstärker an. Vox AC30 (Vorzugsweise ein Modell aus den 60er Jahren mit den legendären Celestion-Lautsprechern namens Bulldog, zuerst in Blau, dann in Grau, mit dem hervorstehenden Alnico-Magneten). Um den Verstärker in die Sättigung zu treiben und mehr Sustain zu erzeugen, fügte Gallagher ein wichtiges Bauteil zwischen Gitarre und Vox ein: ein Treble-Booster-Pedal (anfangs ein Dallas Rangemaster).
Il risultato Diese Kombination erzeugte einen offenen, obertonreichen und mittenbetonten Klang, der sich auf der Bühne im Mix durchsetzte. Es war ein Ton, der „kurz vor dem Zusammenbruch“ stand, bei dem der charakteristische Twang der Stratocaster mit der warmen, dynamischen Sättigung des Vox AC30 verschmolz und so einen kraftvollen, unverwechselbar irischen Sound schuf.
Stevie Ray Vaughan
1960 FENDER STRATOCASTER BLOND
1964 FENDER VIBROVERB
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Il suono Stevie Ray Vaughans „The Way We Are“ ist ein dynamischer Wirbelsturm, eine perfekte Mischung aus Texas-Blues, Rock und ausdrucksstarker Sensibilität, die den Klang der E-Gitarre neu definierte. Es war nicht nur eine Frage der Fingerfertigkeit, sondern auch das Zusammenspiel seiner brachialen Energie mit einem mitunter ungewöhnlichen Equipment, das legendär wurde.
Im Zentrum dieser Magie steht sein Fender Stratocaster Gitarre Sunburst-Lackierung von 1961, die Nummer Eins, obwohl er mehrere verschiedene Jahrgänge und Farben verwendete, darunter eine Blond Ebenfalls aus den frühen 60er-Jahren. Diese Gitarre mit ihrem klaren Lack und dem unverwechselbaren, tigergestreiften Schlagbrett mit seinen Initialen war, wie die anderen auch, mit dicken Saiten (oft .013er Stärke) bespannt, die einen Halbton tiefer gestimmt waren. Diese Bespannung verlieh den Tönen ein beeindruckendes Gewicht. Jeder Anschlag erzeugte einen perkussiven, holzigen Klang, wobei die Single-Coil-Tonabnehmer am Hals einen vollen Sound und in den mittleren Positionen einen unglaublich durchsetzungsstarken, aber nie schrillen Klang lieferten.
Einer seiner bekanntesten Gitarrenpartner war der Fender Vibroverb VerstärkerStevie liebte es, den 15-Zoll-Lautsprecher individuell anzupassen, oft einen JBL oder Electro-Voice. Der Vibroverb konnte dieses massive, perkussive Signal auf himmlische Ebenen heben: Der 15-Zoll-Lautsprecher lieferte eine tiefe, dreidimensionale Basswiedergabe, die selbst unter dem Druck seiner harten Rhythmen nicht matschig wurde. Bei hohen Lautstärken erzeugte der Verstärker zudem eine natürliche, warme und leicht kratzige Röhrensättigung, die den klassischen „glasigen“ (kristallklaren und doch kraftvollen) Fender-Charakter ausmachte. Der Federhall und das eingebaute Vibrato hüllten den Klang in eine rauchige Atmosphäre und vermittelten den Eindruck, die Gitarre würde förmlich atmen.
Als Stevie Strat 1979 an einem heißen Nachmittag in Texas auf einer Bühne auf die kleine Vibroverb Wall (anfangs waren es zwei) traf, war es …Beginn des Mythos und sein Klang: ein klarer, aber satter Klang, der in den langsameren Passagen süßlich weinen und in den rhythmischen Knoten der Texas-Flut mit verheerender Gewalt explodieren kann.
Wieder und für immer der einsame Stern des Texas Blues.
